Esse foi um período de experimentações musicais da banda. Cada um dos integrantes do Pink Floyd - Gilmour, Waters e Wright - contribuía com canções que tinham sua própria sonoridade e voz, o que resultava num material menos consistente e coeso que o da era Barrett, quando o som era mais trabalhado. Se anteriormente Barrett era a voz e o compositor principal, agora Gilmour, Waters e Wright dividem composições de letras e vozes principais. Geralmente, Waters escrevia canções mais lentas, com melodias de Jazz, linhas de baixos complexas e dominantes, e letras simbólicas; Gilmour focava-se em jams de blues levadas pela guitarra; e Wright preferia melodias pesadas psicodélicas de teclado. Diferente de Waters, Gilmour e Wright preferiam faixas que tinham letras simples ou que fossem puramente instrumentais. Alguns números músicais mais experimentais da banda são desse período, como "A Sauceful of Secrets", contendo bastante barulhos, feedback (realimentação), percussões, osciladores, loops; e "Careful with That Axe, Eugene" (que foi chamada por vários outros nomes também), uma faixa levada por Waters, com baixo e um pesado improviso de teclado, culminando em uma bateria forte, e gritos de Waters.
Enquanto Barrett escreveu praticamente todo o primeiro álbum, nesse álbum ele participa das composições com "Jugband Blues". Barrett também tocou nas faixas "Remember A Day" (gravada durante as sessões do The Piper) e "Set The Controls For The Heart Of The Sun" (a única faixa que apresenta Barrett e Gilmour dividindo as guitarras). "A Saucerful of Secrets" foi lançado em junho de 1968, alcançando número 9 das paradas do Reino Unido e se tornando o único álbum do Pink Floyd que não apareceu nas paradas dos Estados Unidos. De algum jeito, apesar da saída de Barrett, o álbum ainda contém bastante da sonoridade psicodélica combinada com mais música experimental que seria amplamente mostrada em Ummagumma. A faixa principal, A Saucerful of Secrets, com doze minutos de duração, chegou ao estilo épico de duração que composições futuras chegariam. Se o álbum foi mal recebido pelos críticos da época, muitos críticos de hoje tendem a ser mais leves nas críticas dentro do contexto da carreira do Pink Floyd.
Os Pink Floyd foram recrutados pelo diretor Barbet Schroeder para produzir uma trilha sonora para um filme seu, "More", que estreou em maio de 1969. A obra foi lançada como um álbum do Floyd em seu próprio direito, Music From the Film More (também chamado simplesmente como "More"), alcançando o nono lugar das paradas do Reino Unido e chegando ao 153º lugar das paradas dos Estados Unidos em 1969. Críticos tendem a achar o conjunto da música para o filme como remendada e desigual. A banda usaria isso e sessões de trilha sonoras futuras para produzir trabalhos que não se encaixavam na ideia do que deveria aparecer em um álbum do Pink Floyd; a maioria das faixas do "More" foram canções folk, acústicas. Duas dessas canções, "Green Is the Colour" e "Cymbaline", se tornaram comuns em repertórios da banda por um tempo e também parte do suite "The Man & The Journey", como pode ser ouvido em muitas gravações de bootlegs desse período. "Cymbaline" também foi a primeira canção do Pink Floyd a lidar com a atitude cínica de Waters contra a indústria fonográfica explicitamente. O resto do álbum consiste em canções incidentais de vanguarda da trilha (algumas dessas também fizeram parte do concerto The Man/The Journey) e algumas faixas de rock mais pesadas jogadas no meio, como "The Nile Song".
O próximo álbum, o quadruplo Ummagumma, foi uma mistura de gravações ao vivo e experimentações de estúdio dos membros, em que cada um gravou metade do lado do vinil como um projeto solo (a noiva de Mason da época faz uma contribuição não-creditada como flautista). Apesar do álbum ter as gravações solo e ao vivo, era esperado originalmente que fosse uma mistura de vanguarda, de sons de instrumentos "achados". As conseqüentes dificuldades de gravação e falta de organização em grupo levou ao fechamento desse projeto. O título é uma gíria sexual de Cambridge e reflete a atitude da banda naquela época. A banda foi amplamente experimental no álbum de estúdio, que contém a composição puramente folk de Waters "Grantchester Meadows", uma peça de piano dissonante, "Sysyphus", uma composição com uma textura mais progressiva, "The Narrow Way", e um grande solo de percussão, "The Grand Vizier's Garden Party".
"Several Species of Small Furry Animals Gathered Together in a Cave and Grooving with a Pict" é uma canção de 5 minutos, composta inteiramente pela voz de Roger Waters tocada em diferentes velocidades, resultando em barulhos que lembram roedores e pássaros. Grande parte do álbum de estúdio já era tocado ao vivo no concerto conceitual "The Man & The Journey". O álbum ao vivo apresenta aclamadas performances de algumas das mais populares canções da era psicodélica deles, fazendo com que o álbum fosse mais bem recebido pelos críticos do que os dois álbuns anteriores. A obra foi o trabalho mais popular até essa época, alcançando 5º posição no Reino Unido e 74º lugar nos Estados Unidos.
Atom Heart Mother, de 1970, foi a primeira gravação da banda com uma orquestra, com colaboração do compositor de vanguarda Ron Geesin. Um lado do álbum consistia na faixa-título de quase 24 minutos de duração, uma longa suite de orquestração de rock. O segundo lado apresentava uma canção de cada membro da banda, até então vocalistas ("If", a canção folk-rock de Roger Waters; a levada de blues "Fat Old Sun" de David Gilmour; e a nostálgica "Summer '68", de Rick Wright). Outra faixa longa, a "Alan's Psychedelic Breakfast" foi uma colagem de som, de um homem cozinhando e comendo um café-da-manhã e seus pensamentos, ligados com instrumentais. O uso de barulhos, efeitos sonoros incidentais e samplers de voz seria, no futuro, uma parte importante do som da banda. "Atom Heart Mother" possui uma das mais enigmáticas capas de álbuns até hoje, estampando a "Lullubelle III", foto retirada no interior inglês. Este foi também o primeiro álbum da banda com grande propaganda. Apesar de "Atom Heart Mother" ter sido considerado um grande passo para trás pela banda na época, é até hoje considerado pelos fãs como um dos mais inacessíveis álbuns.
Ele teve a melhor performance da banda nas paradas até então, alcançando o 1º lugar no Reino Unido e o 55º, nos Estados Unidos. Tem sido descrito tanto como "um monte de besteira" por Gilmour, quanto "jogue-o na gaveta e nunca mais o ouça" por Waters. O álbum foi um componente desta fase transitória do grupo, explorando diferentes territórios musicais. A popularidade do álbum permitiu que o Pink Floyd embarcasse em sua primeira turnê completa pelos Estados Unidos.
Antes do lançamento do seu próximo álbum original, a banda lançou uma coletânea chamada "Relics", que continha vários singles do começo da carreira e B-sides, além de uma canção original (estilo Jazz por Waters, "Biding My Time", parte do concerto "The Man/The Journey", gravada durante as sessões do 'Ummagumma). Eles também contribuíram para a trilha sonora do filme "Zabriskie Point", apesar de muitas contribuições deles terem sido descartadas pelo diretor Michelangelo Antonioni.
Era do Estouro 1971-1975
Durante esse período, o Pink Floyd se distanciou da cena psicodélica e se tornou uma banda distinta, até dificil de se classificar. Os estilos divergentes dos principais compositores - Gilmour, Waters e Wright - se amalgamaram em uma sonoridade única. Essa era contém o que muitos consideram serem dois álbuns obras-primas da carreira da banda, The Dark Side of the Moon e Wish You Were Here. O som se tornou mais trabalhado e com colaboração de todos, incluindo letras filosóficas e linhas de baixos mais aparentes de Waters, estilo único de guitarra de blues de Gilmour e assustadoras melodias de teclados e texturas harmônicas de Wright. Gilmour foi o vocalista dominante desse período, e contribuições de corais femininos e o saxofone de Dick Parry se tornaram parte do estilo da banda.
O som destonal e duro do começo da carreira da banda abriu caminho para um som bastante suave e calmo, que chegou ao máximo com "Echoes". Esse período marcou o fim da era verdadeiramente colaborativa da banda; depois de 1973, a influência de Waters se tornou cada vez mais dominante musicalmente e nas letras. A última composição creditada por Wright e última participação como vocal principal num álbum de estúdio até Division Bell, de 1994, é desse período ("Shine On You Crazy Diamond" e "Time", respectivamente). Os créditos de letra de Gilmour também diminuiram gradualmente em frequência até a saída de Waters da banda em 1985, embora ele tenha continuado a fazer a voz principal e escrever canções durante o período. Os últimos laços com Barrett estão presentes em Wish You Were Here, cuja canção principal, "Shine On You Crazy Diamond", foi escrita como tributo e elogio a Barrett.
A sonoridade da banda foi consideradamente mais focalizada em Meddle (1971), com a canção épica de 23 minutos, "Echoes", tomando todo o lado B do álbum. "Echoes" é uma leve canção de rock progressivo com longos solos de guitarra e teclado, e uma longa seção intermediária consistindo praticamente só de música sintetizada produzida por guitarras, órgãos e sintetizadores, complementada por um pedal wah wah de guitarra ao contrário. Conseguiu-se, dessa forma, algo que soava como samplers de albatrozes, descrito por Waters como um "poema sônico". Meddle foi considerado por Nick Mason como "o primeiro álbum real do Pink Floyd. Ele introduziu a ideia de um tema a que o álbum pode ser voltado." O álbum teve som e estilo bem sucedidos na época em que foi lançado, mas não teve a presença da orquestra que foi notável em Atom Heart Mother. Meddle também inclui a atmosférica "One of These Days", uma canção muito utilizada em concertos, apresentando uma única linha de voz de Nick Mason ("One of these days, I'm going to cut you into little pieces"), slide guitar distorcida e com estilo de blues, e uma melodia que, em certo ponto, se esvai em um pulso sintético, citando o tema de um clássico programa de TV, Doctor Who. O sentimento melancólico dos próximos três álbuns está bastante presente em "Fearless".
Essa faixa mostra influência de folk e contém uma substancial slide guitar em "A Pillow of Winds", uma das únicas canções acústicas do Floyd que lidam com amor. O papel de Waters como escritor começa a tomar forma com sua "San Tropez" em estilo de jazz, que ele trouxe praticamente completa para a banda. Meddle foi recebido entusiasticamente por críticos e fãs e alcançou 3º lugar no Reino Unido. Nos Estados Unidos não passou do 70º lugar. De acordo com Nick Mason, isso foi em parte porque a Capitol Records não promoveu o álbum com publicidade suficiente. Hoje, Meddle resiste como um dos mais aclamados trabalhos da banda.
Obscured By Clouds foi lançado em 1972 como trilha sonora para o filme La Valle, outro filme independente de Barbet Schroeder. Foi um dos álbuns da banda a chegar ao Top 50 nos Estados Unidos (onde alcançou 4º lugar) e chegou ao 1º lugar no Reino Unido. Embora Mason tenha descrito o álbum anos depois como "sensacional", ele foi pouco aclamado pelos críticos. As letras de "Free Four", a primeira canção do Pink Floyd a tocar razoavelmente nas rádios dos Estados Unidos, introduziram os pensamentos da morte do pai de Waters na Segunda Guerra Mundial, o que se repetiria nos álbuns seguintes. Outras duas canções do álbum, "Wot's... Uh The Deal" e "Childhood's End", também lidaram com temas que voltaram a ser usados em álbuns futuros (solidão e desespero), que se tornariam mais comuns na era liderada por Roger Waters; e temas que também seriam trabalhados bastante no próximo álbum, como fixação na vida, morte, e a passagem do tempo. "Childhood's End", inspirada no livro do Arthur C. Clarke de mesmo nome, foi a última contribuição de letra de Gilmour por 15 anos. O álbum foi, de modo geral, diferente em estilo de Meddle, e as vezes até considerado como folk-rock, blues-rock e levada de piano soft-rock:"Burning Bridges", "The Gold It's in the..." and "Stay" sãoos melhores exemplos de cada estilo.
O lançamento com sucesso em massa de 1973, The Dark Side of the Moon, foi o ápice de popularidade da banda. O Pink Floyd havia parado de lançar singles depois de "Point Me at the Sky" em 1968, e nunca havia sido uma banda levada pelos singles hits, mas Dark Side of the Moon teve um single no Top 20 dos Estados Unidos com "Money". endidas no mercado americano, tornando-se um dos álbuns com melhor desempenho comercial da história dos Estados Unidos. No mundo todo, Dark Side superou 40 milhões de cópias vendidas. O álbum ficou no Top 200 da Billboard por 1094 semanas (incluindo 591 semanas consecutivas, de 1976 até 1988), um feito sem precedentes que estabeleceu um record mundial. Ele também permaneceu 1301 semanas nas paradas do Reino Unido e, apesar de não ter passado da 2ª posição lá, foi extremamente bem recebido pelos críticos.O saxofone forma uma parte importante do som do álbum, expondo a influência de Jazz da banda (especialmente a de Rick Wright) e cantoras de apoio, fazem uma parte principal em ajudar a diversificar a textura do álbum. Por exemplo, canções como "Money" e "Time" são colocadas em ambos sons melancólicos de slide guitar (remanescente do Meddle) em "Breathe (Reprise)", e levada, pelo canto feminino "The Great Gig in the Sky" (com Clare Torry nos vocais principais), enquanto a minimalista em instrumentos "On the Run" é tocada praticamente inteira em um único sintetizador. Efeitos sonoros incidentais e partes de entrevistas são apresentadas ao longo das canções, a maioria delas, gravadas em estúdio
As entrevistas de Waters começavam com perguntas como "Qual é sua cor favorita?" uma tentativa em deixar as pessoas mais confortáveis. Então ele perguntava "Quando foi a última vez que você foi violento? E você estava certo?" Outras perguntas também eram, "Você tem medo de morrer ?" As letras do álbum e tentativa de som em descrever as diferentes pressões que a vida no dia-a-dia atua no ser humano. Esse conceito (concebido por Waters em uma reunião da banda por perto da mesa da cozinha do Mason) provou ser poderoso com a banda, e juntos eles fizeram uma lista de temas, vários, os quais seriam re-utilizados em álbuns seguintes, como o uso de violência e a futilidade da guerra em "Us and Them", e temas como insanidade e neurose discutido em "Brain Damage". As complicadas e precisas formas de engenheiro no som do álbum, com Alan Parsons, ditaram novos parâmetros para fidelidade de som; o que virou um aspecto reconhecível da banda, e foi um forte forma no que diz a longa permanência nas paradas do álbum, enquanto audiófilos constantemente trocam suas cópias desgastadas.CONTINUA..........
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